Музыка Карнатака - медитация в звуке.

Музыка Карнатака - медитация в звуке.

Из всех стран мира, наверное, только Индия создала две совершенно самостоятельные классические музыкальные системы, в равной мере глубоко национальные по духу и истокам. Музыка хиндустани, сложившаяся на севере Индии, и музыка карнатак, развившаяся на юге страны, на территории современных штатов Тамилнад, Андхра Прадеш, Керала и Карнатака, два родственных течения, взявшие начало из одного источника Вед, священных гимнов древних ариев. Эти памятники послужили основой для богатейшей музыкальной культуры, которая к началу нашей эры достигла высокого уровня развития, выразившегося в знании законов акустики, использовании микротональных интервалов и создании эстетических теорий.

Древнейшим из дошедших до наших дней теоретическим исследованием о музыке является "Натьяшастра", трактат, написанный на санскрите между II в. до н. э. и II в. н. э. Однако есть свидетельства, что у древних дравидов, живших на территории Индии до вторжения ариев, также была своя высокоразвитая музыкальная система. В "Шилаппадигарам", классическом тамильском памятнике II в н. э., приводятся данные о музыкальной ладовой системе той эпохи, инструментах (в том числе двадцати одной разновидности одного только барабана), идеальных пропорциях музыкальных площадок и принципах расположения музыкантов на сцене.

Хотя в музыковедческих текстах древнего и средневекового периода даются определения и толкования различных музыкальных технических терминов, мы тем не менее не знаем, как звучала музыка древних ариев и дравидов. Музыкальная культура усваивалась, сохранялась и передавалась изустно, и начинающие музыканты учились не по текстам, а под непосредственным руководством учителя слушая и воспроизводя музыку в течение долгих лет ученичества. Они в свои черед передавали приобретенные знания следующему поколению музыкантов

Немало сведений о древнем музыкальном и танцевальном наследии мы получаем, созерцая скульптуры индийских храмов; а многие индийские музыканты почитались святыми, достигшими высочайшей степени духовности. Музыка понималась как надопасана, устремление к божественному началу через звук. При такой духовной ориентации культуры музыка обогащала и слушателей и исполнителей необходимым эстетическим опытом. В этом смысле она воспринималась как взгляд вовнутрь, как проникновение в глубины человеческой души.

И в хиндустани, и в карнатак "хорошей" считается музыка, соответствующая определенным эстетическим канонам. Индийская музыкальная эстетика тяготеет к изысканному орнаментированию мелодии, богатой окраске звука; простое извлечение звуков, по индийским понятиям, не может считаться прекрасным. Подобно тому, как в живописи прекрасное не рождается из механического наложения разноцветных мазков, не организованных линиями и формами, так в индийской музыке тонико-мелодический рисунок, к которому, собственно, и стремится рага, требует разнообразных мелодических украшений при исполнении музыкальной темы. На техническом языке это называется гамака. Гамака — одновременно и точка соприкосновения двух систем, и точка их расхождения. Это объясняется тем, что, хотя обе системы в равной мере не мыслят себя без гамака, каждая отстаивает свой тип орнаментики. Рага не считается завершенной, если ее ладово-мелодический рисунок правильно не орнаментирован при исполнении, а что именно следует считать правильным, по-разному понимается в каждой системе, так что исполнение музыкального произведения в стиле карнатак совершенно отлично от его звучания в стиле хиндустани. Технике такого исполнения учатся на практике, поскольку никакие нотные записи не дадут полного представления о тончайшей нюансировке украшений мелодической линии. Музыканты передают эти орнаментированные звуки колебанием струны или скольжением пальца по струне (как глиссандо на скрипке). Существуют четкие правила типов гамака для каждой раги — это приемы, напоминающие европейскую технику орнаментики, вроде тремоло, вибрато, глиссандо и их вариаций. Вместе с тем главная цель, к которой должен стремиться музыкант, — создание непрерывного, богато окрашенного, нерасчленяемого мелодического потока. Такая музыка столь же восхитительна для знатоков, сколь трудна для восприятия человека, привыкшего к достаточно точному воспроизведению нот в европейской традиции с ее равномерно-темперированным строем. (Музыка хиндустани и карнатак знает интонационный, или чистый, строй с октавой в 22 шрути, или четверти тона.)

В индийской культуре религия и музыка переплетены теснейшим образом. Индусская мифология вкладывает вину, инструмент чисто индийский, в руки Сарасвати, богини музыки и знания. Огромное число классических произведений индийской музыки, особенно музыки карнатак, является вдохновенным излиянием глубоко верующей души. В каждом храме южной Индии есть свой ансамбль нагасварам; мощные звуки этого духового инструмента под ритмичную дробь барабана возвещают начало празднеств или ритуальных действ. Во время торжественного шествия вокруг храма с изображением чествуемого божества ансамбль возглавляет процессию, исполняя классические мелодии, не знающие себе равных по изысканности и богатству творческой фантазии. В некоторых храмах Тирупати и Мадраса организуются многодневные музыкальные и танцевальные фестивали по случаю больших торжеств. Если на севере Индии покровителем музыки был царский двор, то музыка карнатак, с ее особой религиозной направленностью, поддерживалась храмами: служители культа оказывали музыкантам неизменное содействие.

Важное место отводилось музыке и в повседневной жизни. Ни одна молитва не считалась полной без духовного песнопения, а в южноиндийском обряде бракосочетания был обязателен не только нагасварам, но и настоящий вечерний концерт в исполнении известных музыкантов. В силу таких художественных, социальных и религиозных задач в музыке карнатак всегда присутствовало некое субъективное измерение - критерием совершенства исполнения считалась особая мелодичность, трогающая сердца слушателей и пробуждающая в них возвышенные чувства.

Расцвету искусств на юге страны в известной степени способствовало и покровительство двора. Махараджа Сватитирунал из Траванкора, современник великого трио, был плодовитым композитором, использовавшим в своих произведениях тексты как на санскрите, так и на хинди. Иланго, принцу династии Чера, принадлежит авторство "Шилаппадигарам". Правители Танджавура и Майсура были талантливыми композиторами и щедрыми покровителями музыки. Существует немало легенд о музыкальных состязаниях при дворах, в которых участвовали прославленные музыканты. Победителям воздавались воистину царские почести.

Таково культурное наследие, питающее музыку карнатак, наследие поистине богатейшее и разнообразнейшее. Вместе с тем некоторые великие композиторы прославились не столько своей технической изощренностью, сколько предельной строгостью выражения — памятуя, что и в простоте есть своя возвышенность: одна единственная нота, исполненная в надлежащей высоте и с чувством меры, может произвести не менее яркое впечатление, чем искусная и сложная музыкальная фраза. Существует более высокая эстетическая ценность, превосходящая техническое совершенство, она открывается "на уровне абсолютного восприятия прекрасного через сочетания звуковых образов". Эта идея расанобхути, достичь которого стремится музыка в целом, присуща и музыкальной системе северной Индии, помогая слушателю наслаждаться хорошей музыкой, даже если он не очень сведущ в тонкостях техники.

В индийской музыке (и северной, и южной) каждый исполнитель выбирает собственную базовую ноту, в зависимости от диапазона голоса. Специально написанных партий для разных голосов, как, скажем, для сопрано или баса в европейской музыке, не существует, и все исполняют одни, и те же композиции, сообразуясь со своими голосовыми данными. Для этого в каждом концерте должна быть тампура, четырехструнный инструмент, задающий основную ноту.

Ярче всего концепция "единства в многообразии" музыки севера и юга находит свое отражение в построении концерта. В обеих системах каждое произведение исполняется на свою рагу, которая служит основой для сложнейшей импровизации — важнейшей особенности концертирования, поскольку мастерство исполнителя оценивается по его импровизационному дару. Эта импровизация является ритмически свободной разработкой темы раги (называемой алапана) до исполнения крити; здесь музыкант импровизирует, выстраивая тональную картину и по-своему интерпретируя мелодию. Она может быть набросана эскизно или развита с исчерпывающей полнотой, но главное при этом - спонтанность, никакая предварительная репетиция здесь недопустима. Вот почему две алапаны даже у одного исполнителя не бывают одинаковы, как не бывают одинаковы картины художника, работающего в одной цветовой гамме. При всей четкости построения раги, строгости правил воспроизведения нот и дозволенных и недозволенных видов комбинирования звуков, при всей жесткости отбора приемов орнаментировки, необходимых для создания выразительного образа раги, жизнь и характер в импровизацию вливает только творческое воображение музыканта. Именно музыкант привносит в рагу то особое качество звучания, которое наполняет ее жизнью.

Импровизация в стиле карнатак может также выливаться в форму кальпана свара — фиоритурных комбинаций определенного ритма в рамках композиции. В них выявляется мастерство создания сложнейших ритмических узоров на основе заданного ритма. Ниравал — еще одна форма импровизации, но уже в лирическом произведении с постоянным ритмом.

Как музыка хиндустани, так и музыка карнатак являются своеобразным сочетанием точно воспроизводимых музыкальных композиций и импровизационных частей, зависящих от виртуозности исполнителя. Однако глубокое различие обеих музыкальных систем определяется самим процессом исполнения. Паллави — традиционный коронный номер в музыке карнатакского концерта. Здесь перед музыкантом открывается максимум возможностей для проявления виртуозности. Вместе с тем и исполнение неимпровизационных композиций может стать испытанием технической сноровки. Например, в падамах (легких классических композициях на любовные темы) проявляется во всей полноте мастерство владения мелодией и ритмом. Падамы неразрывно связаны с именем Кшетрагны — прославленного музыканта (XVII в.), лирические композиции которого особенно почитаются в музыке карнатак. Падамам никогда не предшествует алапана, поскольку композиции этого типа исчерпывают все возможности раги.

Завершают концерт тиллана (в которой доминируют ритмические фразы) и джавали (родственная падаму композиция, но более легкого содержания и исполняемая в более быстром темпе). Печатные программы почти никогда не раздаются на традиционном концерте; зритель ожидает сюрприза, предвкушает удовольствие от импровизации, радости узнавания раги с первых же тактов, возможности предугадать, какая из известных крити в этой раге последует...

« Мистицизм звука. Неслышимая жизнь. | Целительная сила музыки. »